Come Come

Shiho Saito
Fuyumi Murata

at Trust, Vienna
June 6-7, 2025
2-6pm

Opening 6-9pm, June 5, 2025 

invited by imlabor

with text by Reina Sugihara 

Come Come

斉藤思帆、村田冬実

会場：Trust（オーストリア、ウィーン）
会期：2025年6月6日〜7日
時間：14:00〜18:00
オープニング：2025年6月5日 18:00〜21:00

招待：imlabor
テキスト：杉原玲那

Many of Shiho Saito’s works take the form of portraiture. In the early stages of her Portrait series, she depicted pop stars and other figures to whom she felt a deep personal connection, employing techniques such as printmaking and silkscreen on delicate surfaces like washi paper. Over time, however, her motifs have shifted toward found images and mannequins— that are selected simply for painting that seem to be insignificant to her. This shift signals a deeper investment in the act of painting itself that Saito is able to fully immerse herself in painting as a practice—one that exists for its own sake. Her works become quiet mediators of this process.
The figures she renders are draped in unsettling hues, unmoored from the realm of the living. Rather than portraits of specific beings, they seem to exist as images always intended for the pictorial plane—tenuously anchored to the fragile surface of paper.
Saito’s approach to installation similarly resists conventional hierarchies of display. What might be described as a “non-insistent” mode of presentation—pasting works directly onto windows or draping them loosely across shelves—suggests a sensibility of return rather than imposition. The works do not assert themselves in space so much as inhabit it, as if they have quietly come home.
In contrast to these earlier methods, the works shown in the two-person exhibition Come Come are housed inside acrylic boxes, with portraits casually affixed to wallpapered surfaces within. This format is something Saito has been exploring since 2013.
Set into small enclosures embedded within the exhibition space, the portraits appear like quiet visitors—gazing out at us from within their own contained spaces. It is as if they’ve momentarily appeared in the room, not to be displayed, but to peer back at us—or perhaps without knowing why they are here at all.
Fuyumi Murata primarily creates installation works centered around photography. In her recent Wonderland series, she prints casual, everyday snapshots taken on her iPhone, then physically tears and reconstructs them into three-dimensional forms. Also on view is Right hands, a cast of her dominant hand made in Jesmonite—a symbolic and reductive gesture that reflects her interest in the act of hanging artworks on a wall.
Presenting for the first time in this exhibition is her BAM series, based on photographs of cautionary signage found across urban Japan. In these works, exaggerated graphic elements—often added to emphasize caution or other safety measures—have been separated from the main image. Designed in the style of posters, the compositions borrow from the visual language of manga and other forms of pop culture, using simplified effects that presuppose a shared understanding between maker and viewer—one shaped through collective visual familiarity.
Underlying these forms is Murata’s ongoing exploration into the threshold between what is considered “art” and what is not. Her works consistently trace the tension between objects that are displayed, that display themselves, and that assert autonomy as artworks. What emerges is a quiet questioning of the conditions under which something begins to function as “art.”
Both Saito and Murata’s works create space for quiet attention. They do not impose meaning, but instead encourage viewers to spend time with them, gently drawing attention to what is often overlooked. Rather than telling us what to see, they invite us to slow down and notice—without urgency, without insistence.

斉藤思帆の多くの作品は、ポートレートの形式を取っている。初期の《Portrait》シリーズにおいては、彼女が深い個人的なつながりを感じていたポップスターやその他の人物をモチーフにし、和紙のような繊細な支持体に版画やシルクスクリーンなどの技法を用いて描いていた。しかし時が経つにつれ、彼女が選ぶモチーフは、描くことそのもののために選ばれた、個人的な意味を持たないかのようなファウンド・イメージやマネキンへと移行していった。この変化は、斉藤が絵を描くという行為そのものにより深く関与するようになったことを示しており、絵画がそれ自体のために存在する実践として、彼女がその中に没頭できるようになったことを意味している。彼女の作品は、このプロセスの静かな媒介者のような存在となっている。彼女が描く人物たちは、不穏な色彩に包まれ、生者の領域から切り離されている。特定の存在の肖像というよりも、それらは最初から絵画平面のために存在していた像のように見え、かろうじて紙という脆弱な表面に繋ぎとめられている。
斉藤のインスタレーションにおけるアプローチもまた、展示における従来的なヒエラルキーに抗している。作品を窓に直接テープで貼ったり、棚の上にゆるやかにかけたりするような、「主張しない（non-insistent）」提示の仕方は、空間に“介入”するというより、“回帰”するような感覚を示唆する。作品は空間の中で自己を強く主張するというよりも、まるで静かに帰ってきたかのように、その場に“いる”。これに対して、二人展《Come Come》で展示されている作品は、アクリルボックスの中に収められており、ポートレートはその内側の壁紙が貼られた面に無造作に取り付けられている。この形式は、斉藤が2013年から探究してきたものである。展示空間に埋め込まれた小さな囲いのなかに置かれたこれらのポートレートは、静かな来訪者のように見え、自らの閉じられた空間から私たちを見つめ返している。あたかも、そこに「展示される」ために現れたのではなく、ただふと現れて、私たちを見返しているかのように——あるいは、なぜそこにいるのかもわからないまま、そこにいるようにも見える。

村田冬実は、主に写真を中心としたインスタレーション作品を制作している。近作《Wonderland》シリーズでは、日常的にiPhoneで撮影されたスナップショットをプリントアウトし、それらを物理的に引き裂いたうえで再構成し、三次元的な形態へと作り変えている。本展では、彼女の利き手をジェスモナイトで型取った作品《right hands》も展示されている。これは、壁に作品を掛けるという行為そのものへの関心を反映した、象徴的かつ還元的な身振りである。また、本展で初めて発表される《BAM》シリーズは、日本の都市部に見られる注意喚起の看板や標識の写真をもとにしている。これらの作品では、注意や安全を強調するためにしばしば付け加えられた誇張されたグラフィック要素が、元のイメージから切り離されている。ポスターのような形式でデザインされたこれらの構成は、漫画やその他のポップカルチャーの視覚言語を参照しており、作り手と鑑賞者のあいだにある視覚的な共通理解——集合的な視覚経験によって形作られたもの——を前提とした、簡略化された効果を用いている。こうした形式の根底には、「何が芸術と見なされ、何がそうでないのか」という境界への村田の継続的な探究がある。彼女の作品は常に、「展示される物」、「自らを展示する物」、そして「作品として自律性を主張する物」のあいだにある緊張関係をなぞっており、何かが芸術として機能し始める条件とは何なのかを、静かに問いかけている。

斉藤と村田、両者の作品に共通するのは、「静かな注視」のための空間をつくり出していることだ。彼女たちの作品は意味を押し付けるのではなく、鑑賞者が時間をかけて向き合うことを促し、普段見過ごされがちなものへの注意をやさしく引き寄せる。何を見よと指示するのではなく、ただ立ち止まり、気づくことを促す——急かすこともなく、強いることもなく。